Par Estelle Arielle Bouchet
“All what we see or seem
is but a dream within a dream”
Edgar Allan Poe
Art & Abstraction
From Modernism to Abstraction, the breath of the Fifties
The concept of Abstract Art is not confined to being a sophisticated movement of our time or some intellectual affectation for a circle of insiders, but rather relates to a pictorial tradition that is brutal, vernacular and instinctive, dating back to the beginning of time: rock painting without any kind of human representation whatsoever or like the Gate of Babylon which highlights a pictorial dialectic made up of symbols and animals or the ancient frescoes of the Lascaux caves. These representations, because of their mystery and their origins that are so remote, leave enormous room for poetry. Whether it’s the funerary art of the Pharaohs with its hieroglyphics or the cave paintings or the early writings of Sumer in Mesopotamia, there is always the same mystery and an invitation to dream, similar to what happens in the Abstract art of the Twentieth Century. This latter vigorously rejects the figurative academicism of the Nineteenth Century that never stopped reproducing, with a romantic monotony, relative reality with its still lifes, portraits and landscapes.
While the intention was to take over reality in a rational faithful way, it was with an almost neurotic toughness, because this was ruled by a fear of seeing the unknown, so one thus stripped away, at the same time, the poetic, symbolic and magical dimension of creation and the surrounding world.
This obsessively figurative vision reflects human confinement that cuts us off from the original myth of Narcissus, which gives everyone the opportunity to be in a permanent state of metamorphosis. “You have to dive into the unknown to find the new” was the battle cry for Baudelaire in the well-mannered bourgeois Nineteenth Century. All painters or artists who were committed to the Abstract view aimed at rebirth with this Paradise Lost which corresponded to the very nature of the poetic topos.
Whether it be a work by Miro or by Kandinsky or the dark and mysterious atmosphere of a film by Alfred Hitchcock lit up by the presence of a star like Grace Kelly at the peak of her sublime goddess beauty, it is the same dialectic of a mystery in search of a transcendent fugitive moment, but to which we can devote a lifetime. The search for the Sublime is inextricably linked to the abstract approach. This metaphysical form which follows just after the original form, whether in design like the wonderful black and white sketches of René Gruau from Christian Dior featuring an ideal of refined elegance that suggested more than it imposed and gave birth to the “New Look”, the name given by Caramel Snow, editor of the celebrated Harper’s Bazaar. But make no mistake, under this apparent simplicity; Christian Dior once again made Paris, like a phoenix from the ashes, the world capital of fashion just after the Second World War. It is similar in the purity of the constructions on blank backgrounds by the painter Mondrian in the 40s: silence embodied in the colour white, itself symbolizing a window onto the breath of the imagination and mouthfuls of oxygen from an emptiness that is healthy and calming, taking us to a perfectly-structured geometric space. André Courrèges later took up these themes again in his minimalist dresses in the 60s which were highly graphic. The first, although this is still subject to controversy, was Mary Quant from Great Britain with her creation of the mini-skirt which sold by thousands in her shop in the King’s Road in 1965. Mary Quant represents a perfect example of that era when mechanization was at the service of creativity: faced with a voracious enormous demand, the answer was by infinitely producing and reproducing and to use this to make the industrial tools available through Taylorism. In this Modernist era, America reigns supreme and imposes its laws.
On the same subject of global success: at the 1959 American Toy Fair in New York, Ruth Handler presented the first Barbie. The doll- woman exactly corresponded to the aesthetic canons of the pin-ups of the 50s. The fatal carnal beauty of the sex-symbols of the 50s makes themselves seen, embodying life and its physical appetites. America, the country that rescued Europe from horror and destruction, often had the lead in World War II hero figures. Its all-time stars had no rivals and this period invented the feminine ideal: platinum-blond hair, wasp waists, wide hips and large breasts. From Rita Hayworth to Ava Gardner, from Liz Taylor as Cleopatra at her peak, through Grace Kelly who radiated the glow of her very aristocratic more discreet beauty as far as Europe ....
The 1950's was also a relevant source of inspiration for Van Cleef & Arpels 's latest High Jewellery collection, ‘Chevron Mystérieux’. Conceived by its CEO and Art Director Nicolas Bos and his talented team, ‘Chevron Mystérieux’ is a modern echo of the Mystery Set technique - an illustrious and innovative technique developed by the Maison back in 1932.
This emblematic Collection offers a 50's vision of its new creation illustrated by the drawings of Jérémie Fischer. A mixture of purity and craft this masterpiece necklace is composed of three pear-cut diamonds in a trilogy of 31.24, 12.18 and 12.07 carats surrounded by a crimp of intense emeralds, sapphires and diamonds; it’s sustained by a pure and geometrical structure highly inspired by the 50's abstract spirit; it is utterly captivating!
It’s true genius manifests itself in its metamorphic role - with its detachable pendants, this versatile collar can be cleverly adapted and remodelled in six different ways.
This Modernist and Post Modernist movement, two sides of the same coin, embodies everything and its opposite: the frantic sensuality of this post-war period mingled with invention and the development of the applied arts, pre-announcing the bulimic consumption of the 60s. A world where Hollywood has its importance and television has already announced the warning signs of “all virtual”which today occupies all the space and punctuates all exchanges of all kinds.
ABSTRACT ABSTRACTION TREND Le concept d’ Art Abstrait ne se cantonne pas à un mouvement sophistiqué de l’époque contemporaine ou à quelque affectation intellectuelle d’un cercle d’initiés mais se rattache bien à une tradition picturale brute, vernaculaire et instinctive qui remonte à la nuit des temps. La peinture rupestre, refusant toute sorte de représentation humaine. Telle la Porte de Babylone mettant en lumière une dialectique picturale faite de symboles et d’animaux ou les archaïques fresques des grottes de Lascaux. Ces représentations de par leur mystère et leurs si lointaines origines, laissent tout espace à la poésie. Qu’il s’agisse de l’Art funéraire pharaonique avec ses hiéroglyphes ou des peintures rupestres ou encore des premières écritures de Sumer en Mésopotamie, c’est toujours le même mystère et une invitation au rêve et à un ailleurs qui prévaut comme dans l’art Abstrait du XX° siècle. Ce dernier rejetant avec force l’académisme figuratif du XIXème siècle qui n’a de cesse de reproduire non sans une romantique monotonie, la relative réalité avec ses natures mortes, ses portraits et ses paysages.
Lorsque l’on a voulu plagier sur un mode rationnel et fidèle, la réalité et ce avec un acharnement quasi névrotique car tout cela est géré par une peur de la perception de l’inconnu on a arraché du même coup la dimension poétique, symbolique et magique de la création et du monde environnant.
Cette vision obsessionnellement figurative traduit l’enfermement humain nous coupant du mythe originel de Narcisse qui donne la possibilité à chacun de se révéler dans une métamorphose permanente.
« Il faut plonger dans l’Inconnu pour trouver du nouveau » tel était le combat de Baudelaire dans ce XIX° siècle bien-pensant et bourgeois. A cette dimension intrinsèque du poète « Prince des Nuées » ou du peintre inspiré, il nous est proposé en substitut, une représentation d’une réalité affligeante, normative et carcérale refusant toute possibilité d’évolution.
Tous les peintres ou artistes qui se sont engagés sur la voie de l’Abstrait avaient pour objet de renouer avec ce Paradis perdu qui correspond à la nature même du topos poétique.
Qu’il s’agisse d’une œuvre de Miro ou de Kandinsky ou de l’atmosphère plombée et mystérieuse d’un film d’Alfred Hitchkock éclairé de la présence stellaire d’une Grace Kelly dans le fleuron de sa sublime et hiératique splendeur. C’est toujours la même dialectique du mystère en quête d’un instant de transcendance improbable et fugitif mais pour lequel on peut consacrer sa vie. La recherche du Sublime est indissociablement liée à la démarche abstraite. Cette métaphysique qui vient après la forme initiale, soit en la stylisant comme dans les merveilleux croquis noirs et blancs de René Gruau pour Christian Dior mettant en scène un idéal d’élégance épurée qui suggère plus qu’il n’impose et donne naissance au « New Look » selon l’appellation de Carmel Snow, rédactrice en chef du célèbre Harper’s Bazar. Mais ne nous méprenons pas sous cette apparente simplicité, Christian Dior a su faire de Paris, tel un phénix renaissant de ses cendres, la capitale mondiale de la mode au lendemain de la Seconde Guerre mondiale.
(archives Christian Dior "Bleu de Perse"-photo Regina Relang)
De même la pureté des constructions sur vide du peintre Mondrian dans les années 40, le silence incarné par le blanc symbolisant lui-même une fenêtre ouverte sur la respiration de l’imaginaire et sur la bouffée d’oxygène d’un vide salutaire et ataraxique nous renvoie à un espace géométrique parfaitement structuré. André Courrèges reprendra plus tard ces thématiques dans ses robes minimalistes des années 60 à la teneur éminemment graphique. La première, même si cela est encore sujet à polémique, fut la britannique Mary Quant avec sa création de la mini jupe vendue par milliers dans sa boutique de King’s Road en 1955. Mary Quant incarne un parfait exemple de cette ère où la mécanisation se met au service de la création, face à une demande avide et pléthorique il s’agit de produire et reproduire à l’infini et d’utiliser pour ce faire les outils industriels à disposition issus du Taylorisme. Dans cette ère Moderniste, l’Amérique règne en souveraine et impose ses lois.
Dans la même veine du succès planétaire, Ruth Handler en 1959 présente à l’American Toy Fair de New York la première Barbie. La poupée-femme correspond tout à fait aux canons esthétiques de la pin-up des années 50. A la laideur relative d’un visage en décomposition de Bacon s’interposent les beautés fatales et charnelles de sex-symbols des années 50, incarnant la vie et ses appétits tangibles. Venant souvent d’Amérique qui a le vent en poupe- héros de la Seconde Guerre Mondiale- cette nation a sorti l’Europe de l’horreur et de la destruction. Ses Stars de tous temps ne connaîtront de rivales, tant cette époque a engendré l’Idéal féminin, blondeurs platine, tailles de guêpe hanches charnelles et seins prospères. De Rita Hayworth à Ava Gardner, d’une Liz Taylor Cléôpatre à son apogée en passant par Grace Kelly qui a rayonné de l’éclat de sa très aristocratique beauté aux mensurations plus contenues jusqu’en Europe….
L’Amérique fait rêver de ses héros de la Seconde Guerre, à ses Stars internationales à ses pin-up plus modestes mais non moins pimpantes.
Le rêve américain est en marche et fera le tour de la planète attisant les plus vifs engouements jusqu’au mode de vie à l’américaine.
Francis Bacon déforme graduellement dans ses triptyques un visage jusqu’à lui conférer une dimension à la fois désaxée et grotesque. Au-delà de l’observation anatomique du visage ou d’un corps, l’artiste propose un ordre nouveau incarné là aussi par une méta-morphose au sens grec du terme s’opérant à travers une déformation déstructurante nous renvoyant à la question centrale de notre finitude.
Francis Bacon Auto-portrait
Ce mouvement Moderniste et Post Moderniste, deux faces de la même médaille, incarne tout et son contraire : de la sensualité exacerbée de cette période d’après guerre mêlée à l’invention, au développement des Arts Appliqués annonçant déjà la consommation boulimique des années 60 avec le chef d’œuvre en matière d’innovation et de Design que constitue le Frigidaire, aux angoisses métaphysiques d’un Francis Bacon.
Un monde où Hollywood a son poids et où la télévision alors à ses balbutiements annonce déjà les signes avant-coureurs du « tout virtuel » qui occupe aujourd’hui tout l’espace et scande tout échange de toutes natures.